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Se muestran los artículos pertenecientes a Marzo de 2010.

CAMBIOS ICONOGRÁFICOS DEL GÓTICO (2). LA IMPORTANCIA DEL INDIVIDUO

Gil de Siloé. Sepulcro infante Alfonso. Cartuja de Miraflores

 

El mundo gótico (gracias a San Francisco, a Santo Tomás, a Ockham…) presencia un ascenso del individuo que se opone a esa isocefalia típica del románico en donde las caras casi eran intercambiables y sólo se distinguían por un rótulo o por un símbolos (como San Pedro y sus eternas llaves).

Especialmente a partir del siglo XIV (cuando la cultura se va secularizando), el individuo (y su estirpe) comienza a ganar importancia.

De ello se derivarán nuevas formas iconográficas que se mantendrán (y aumentarán) durante el renacimiento y el barroco.

Por una parte aparecerá el retrato, al principio poco caracterizado.

El primer modelo será el del donante, arrodillado y aún en perspectiva jerárquica frente a la divinidad

 

 Descendimiento. Van der Weyden.


Pasando el tiempo llegará su explosión con los primitivos flamencos que ya no sólo copiarán el aspecto exterior sino que irán internándose en la psicología del personaje, como ya analizó Mar en su artículo del Matrimonio Arnolfini

 

  

Campin

 

Junto a él resurgió el sepulcro en donde la figura pasará del modelo tumbado a incorporarse sobre su codo a finales del periodo

  

Sepulcro en el Monasterio de Batalha. Portugal

 

Villarcázar de Sirga. Palencia

  

Covarrubias

Plorones o plañideras

Y qué decir de la multiplicación de escudos del gótico a partir del XIV (también en relación con el renacimiento de la monarquía)

  

San Juan de Reyes. Toledo

 

  

Lonja de Valencia

 

Incluso los propios artistas irán saliendo poco a poco del anonimato y a partir del siglo XIV conocemos una gran cantidad de ellos (Giotto, Simone Martini, Claus Slauter, Gil de Siloé…)

 

Imágenes y texto: Vicente Camarasa

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01/03/2010 20:10. sdelbiombo #. GÓTICO No hay comentarios. Comentar.

LAS PINTURAS ROMÁNICAS DE SAN ROMÁN DE TOLEDO

 Son las pinturas románicas más meridionales de España, en un exquisito templo mudéjar de principios del XIII y con una iconografía (la resurrección de los muertos) poco utilizada en el arte románico. ¿Se puede pedir más?

En la actualidad la iglesia de San Román , mudéjar-renacentista, es la sede del Museo de concilios (arte visigodo) y es muy fácil (¡y gratuito! )de ver.

 

El templo es mudéjar menos su cabecera, del siglo XVI

 De los restos que nos quedan podemos destacar la pared del oeste en donde aparecen los 24 ancianos del Apocalipsis con árboles tras ellos, tal vez como referencia al paraíso.

 

 

 

A su izquierda, aún permanece Eva y Dios Padre (tema emparentado con el círculo segoviano-soriano de la Vera Cruz).

 

 Ambas pinturas parecen de una mano menos experta, más popular, acaso (según Sureda) relacionada con Códices de la época de raigambre bizantina

 Junto a este taller trabajó otro mucho más evolucionado e interesante del que nos quedan los tetramorfos (curiosamente sin pantocrátor), escribiendo en sus evangelios (que nos recuerdan ya modelos góticos, como el que podemos ver en la Puerta del Sarmental de la Catedral de Burgos).

 

También encontramos en el intradós de los arcos, imágenes de obispos.

 

 

 Pero si he de quedarme con algo, a mi siempre me ha fascinado, la pared dedicada a la resurrección de los muertos que será el inicio del Juicio Universal.

Custodiados por los ángeles superiores (uno de ellos tocando la trompeta), los difuntos salen de sus sepulcros en una fascinante perspectiva abatida (vista desde arriba, aunque con numerosas incongruencias visuales; fijaros en los ataúdes) que permite darnos una visión total de la imagen sin necesidad de un puro realismo

 

 

 Texto e imágenes: Vicente Camarasa

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03/03/2010 15:09. sdelbiombo #. ROMÁNICO Hay 6 comentarios.


GALOPINES EN CUADROS BARROCOS. Murillo demuestra su polifacetismo en una muestra del Museo de Sevilla

Tomado de clasesdearte.blogspot.com

 Cuando pregunto a mis amigos qué opinan sobre la obra de Bartolomé Esteban Murillo (1617 – 1682), el pintor más destacado de la segunda generación de pintores del Barroco Sevillano, su reacción es más que reservada, especialmente si vienen del norte de España o de Alemania.

¿No fue aquél que nos dejó un montón de angelotes e innumerables Inmaculadas? Incluso un profesor de historia del arte de Castilla, a pesar de ser muy amigo mío, al mencionar el nombre de Murillo, suele poner los ojos en blanco, murmurando: muchos angelitos gorditos...“

 

 

No es verdad, como ahora nos demuestra  el Museo de Bellas Artes de Sevilla con una  muestra excepcional, la que abrió sus puertas el 20 de Febrero y durará hasta el 30 de Mayo 2010. Se presentan unas 42 obras creadas durante los primeros 20 años de su carrera, procedentes de museos extranjeros en su mayoría y ahora han vuelto a su patria para ”reunirse“ durante tres meses con las obras de Murillo en Sevilla.

 

 

Nos encontramos delante unos cuadros a veces bastante atípicos comparados con la imagen estereotipada de la obra de Murillo (caracterizada por Inmaculadas, angelitos y nubes de luz), así que algunos durante mucho tiempo ni siquiera fueron reconocidos como obras suyas: p. ej. La Vieja con Gallo. Se trata del retrato (hacia 1645) de una vieja vendedora, la que lleva una cesta llena de huevos y una gallina en los brazos. Esa presentación de una mujer sencilla del pueblo es un excelente dibujo de un carácter, en el que Murillo se atreve a mostrar la fealdad, además de demostrar gran virtuosismo y realismo sin piedad. Pintada de una manera naturalista y muy detallada, la cara arrugada y amarillenta de la vieja casi desdentada, parece observar al espectador desde el cuadro con su mirada punzante. Con la mano derecha  coge el cuello de la gallina, con la izquierda tiene agarrado las garras del ave. Su mirada inquietante transmite muchas emociones, y ninguna buena: ¿avaricia, malicia, fatalidad o desesperación teniendo presente su pobreza? De todos modos, parece haber años de luz entre ese retrato de la pobreza personificada por una vieja bruja y las Vírgenes bellísimas rodeadas de angelotes, tan típicas para la obra de Murillo que acompañan por siempre su nombre en todos los libros de la historia del arte. No es sorprendete que esa pintura haya sido atribuída a Jusepe de Ribera hasta principios del Siglo XX, ya que es mucho más típico para los retratos realistas de personas marginadas de la sociedad pintadas por el valenciano afincado en Napoles. Pero investigaciones de material (lienzo, colores, etc.) han demostrado que „La Vieja con Gallo“ – por la coincidencia con datos de otras obras de Murillo – es una creación del maestro de Sevilla.

Así que no es justo reducir la obra de Murillo – como se suele hacer en Sevilla – a sus Inmaculadas y angelitos o – como se suele hacer en el norte de Europa – a sus retratos de niños. El polifacetismo de sus temas y técnicas es enorme. Aunque especialmente famoso por ser el autor de 22 Inmaculadas, todas bellas reinas del cielo, Murillo fue uno de los pintores más proteicos del Siglo de Oro. Contrariamente a Zurbarán o Valdés Leal, los que casi sólo pintaron cuadros de temática religiosa e incluso comparado con Velázquez, el pintor de cámara de S.M., Murillo ha creado escenas muy variadas y originales. Aparte de muchos cuadros sacros encargados por conventos sevillanos o hermandades religiosas, también pintó „escenas cotidianas“ (algunas de una crítica social sorprendente), bodegones, representaciones alegóricas de las estaciones, autorretratos, retratos y grupos de niños. Y no retrató principitos o princesas (como Velázquez) sino galopines. En Sevilla, la gran metrópoli de la globalización del Siglo de Oro, se intensificaron los contrastes sociales después de la gran crisis económica de los años 30 del Siglo XVII, y ya hubo muchos marginados y galopines. Como consecuencia de la gran Peste del 1649 su número aumentó aún más, ya que la mitad de la población murió y muchos niños perdieron a sus padres. Esos niños, huérfanos y sin techo, sólo pudieron sobrevivir pidiendo limosnas o mediante robos o prostitución. A veces formaron pandillas y repartieron el botín obtenido por robo o pordioseo. Mientras que todos los otros pintores sevillanos de su generación trataron ese tema como un tabú, Murillo dedicó docenas de cuadros a esos galopines y hoy son un testimonio interesante de ese ambiente al margen de la metrópoli del XVII.

Su primera pintura dedicada a esa temática ya es la versión más crítica, creada sin compromiso: „El Joven Mendigo“ (pintada hacia 1647, hoy en el Louvre de París).

 

Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Joven_mendigo

 

Muestra un muchacho descalzo que lleva ropa desgarrada, sentado en la esquina de una ruina o casa abandonada, despiojándose. Delante de sus pies hay restos de una comida como cáscaras de gambas. Es una pintura sobrecogedora de un niño viviendo en la calle y luchando por sobrevivir. En contraste a retratos de niños acabados en décadas posteriores, en esta primera obra maestra de Murillo domina una atmósfera pintada en colores tenebrosos (matices de marrón y gris oscuro) y la mitad del cuadro lo invade una sombra negra. Se trata de una creación austera, concentrada en lo esencial, aquí no aparece decoración de fondo. Mientras que en pinturas posteriores suele presentar sus galopines con el cabello rizado, sonrisa alegre y a veces con miradas picarescas, acercándose así al gusto de su público y sus clientes, el „Joven Mendigo“ del Louvre tiene la cabeza rapada. Sus ojos no se pueden ver, ya que tiene la cabeza inclinada, mirando al suelo con una expresión de profunda tristeza, lejos de las sonrisas traviesas de otros galopines de Murillo los que iba a pintar más tarde. Desde el año 1782 propiedad del Rey de Francia, después de la Revolución Francesa, „El Joven Mendigo“ llegó a ser el primer cuadro de un pintor español en el Louvre. Fue comprado legalmente ya en el Siglo XVIII y no – como tantos de sus cuadros sacros – robado por el mariscal Soult durante la ocupación napoleónica. Es sorprendente que con sus retratos de galopines Murillo logró evocar más interés en el norte de Europa que en España. Ya poco después de su muerte en el 1682 la mayoría de sus cuadros de esa temática se vendieron en Flandes, Francia, Inglaterra y Alemania.

Cinco de ellos se encuentran hoy en la Pinacoteca de Munich y el más famoso de esa colección de impresiones de la vida de galopines también forma parte de la muestra en el Museo de Sevilla: los Niños comiendo melón y uvas“. Esa escena pintada en 1650 o 1651, presenta dos niños llevando ropa sucia y desgarrada, sentados en una esquina para disfrutar un gran melón y uvas.

 

 

Muy contrariamente al Joven Mendigo, triste y abandonado, Murillo empieza a concebir las escenas de un ambiente de miseria metropolitana en una forma más amena y agradable para el público. Los dos galopines no parecen tristes o desamparados (y mucho menos hambrientos), sino están comiendo con gustito uvas y melón, mirándose mutuamente con una expresión picaresca. El realismo de la escena es impresionante hasta en los más diminutos detalles: las uñas y pies sucios de los chicos descalzos, las pepitas del melón en el suelo (y una en la mejilla del chico de la derecha), las dos moscas en el melón, incluso las sombras diminutas de sus alas se pueden ver perfectamente. Las uvas que el muchacho izquierdo está a punto de meterse en la boca, brillan de manera tentadora y hacen recordar placeres de bacanales. Y la leve sonrisa de su compañero, contento con la boca llena masticando el melón, parece distraer la atención de una temática tan triste y seria como el destino de galopines. Aunque esa pintura todavía es lejos de la risa  libre y despreocupada que será típica de sus escenas de galopines de los años sesenta y setenta del Siglo XVII, en comparación con el Joven Mendigo  tanto la atmósfera como la escala cromática se han llenado de vida. Murillo abandona la melancolía y austeridad del negro-gris-marrón en la escena Niños comiendo melón y uvas , para poner en el centro del cuadro el amarillo verdoso del melón, las uvas de color verde brillante y las camisas blancas (aunque desgarradas) de los niños.

Generalmente se puede observar una continua aclaración del colorido en las obras de Murillo a partir de 1650. Ese desarrollo ya se puede notar en las obras Joven con un perro o Muchacha con cesta de frutas, pintadas entre 1650 y 1655. En la última década de su vida, ese cambio queda aún más obvio, p. ej. en las escenas de galopines  ejerciendo el juego de la argolla o el juego de dados (pintadas hacia 1670). Otra característica común del último período de sus creaciones: a pesar de su pobreza, esos niños desamparados parecen alegres, están mirando al observador con una sonrisa picaresca o una risa traviesa. No obstante, apelan también indirectamente a la conciencia social de los observadores.

 

 

 Sin embargo, algunos críticos reprochan a Murillo que sus retratos de galopines sean demasiado bonitos y su atmósfera demasiado serena para funcionar realmente como visión crítica de la sociedad. Pero no hay que olvidar que también otros pintores mostraron jóvenes mendigos y huérfanos con caras alegres, incluso Jusepe de Ribera presenta su Joven mendigo con pie equinovaro con una sonrisa picaresca. Se puede interpretar como una concesión al gusto del público, Murillo presenta su conciencia social en escenas que describen detalladamente el ambiente de galopines, pero sin demasiada gravedad –  crítica social en almíbar. Muestra la miseria del ambiente, en el que viven esos niños en barrios marginados, pero les pinta una sonrisa en la cara. Y también celebra su libertad, aparentemente según el lema “pobre, pero libre y feliz“. Tal vez de esa manera expresaba un anhelo de sus clientes de la alta nobleza quienes soñaban vivir con menos obligaciones y más ociosidad: carpe diem - sugerían sus imágenes de alegres galopines.

 

Tomado de www.nocturnabsas.com.ar/forum/pasatiempos/256..

 

Pero sin duda hubo también otra razón para explicar la visión pintoresca y romántica que Murillo ofrece de la vida de galopines. La gran peste del 1649 fue la catástrofe más grave en la historia de Sevilla, durante pocos meses murió la mitad de la población (unos 80.000 víctimas, entre ellos tres niños de Murillo) y dejó una ciudad traumatizada, en la que los sobrevivientes tenían que enfrentarse a callejas despobladas, una situación económica bastante caótica, hambre, y pandillas de huérfanos. Y lo último que esos sobrevivientes querían ver en lienzos eran impresiones de miseria desesperada – porque ya la tenían presente en su vida cotidiana. Por ende, no es por casualidad que la única escena de galopín, en la que Murillo muestra una visión triste y sin compromiso de esa miseria data antes del derrumbamiento de 1649. Todos los cuadros pintados después de 1650 presentan versiones más serenas y optimistas. Después de la catástrofe apocalíptica, los sevillanos preferían mirar visiones luminosas de esperanza – y Murillo les ofreció lo que querían.

 

Tomado de yoana16.blogspot.com/2008/07/murillo-y-los-ni..

 

Esa tendencia se muestra aún más claramente en las pinturas sacras de Murillo, cuyo colorido iba cambiando de matices telúricos y contrastes en claroscuros inspirados por Caravaggio y Ribera hasta llegar a colores celestiales, un estilo pastoso, nubes de luz dorada y matices de azul y rojo para los ropajes de las Vírgenes. Sus obras más típicas llegaron a ser Vírgenes como reinas de belleza, con miradas extasiadas anunciando el amor de Dios en vez del Juicio Final.

Si algo se pudiera reprochar a Murillo, sería el hecho de que haya copiado algo demasiadamente sus “modelos de éxito“ , y por ello su obra es reducida muchas veces (pero injustamente) a sus Inmaculadas con angelitos. (Pero ese reproche se pudiera hacer a cualquier pintor. Ribera pinto una docena de “San Jerónimos penitentes“, Zurbarán galerías enteras de monjes santos y Velázquez al menos veinte retratos del Rey...)

 

Santo Tomás de Villanueva repartiendo limosna

Tomado de http://www.artehistoria.jcyl.es/histesp/obras/10633.htm

 

El arte de Murillo se caracteriza por un profundo humanismo cristiano, y él mismo lo vivió: como miembro de la Hermandad de la Caridad solía repartir limosnas y regalaba la mayor parte de su fortuna considerable a los pobres. En muchos casos, sus pinturas son una llamada  directa para practicar la caridad. En esa categoría, sus dos obras más geniales son “Santa Isabel curando leprosos“ (en el Hospital de la Caridad, Sevilla) y Santo Tomás de Villanueva reparte limosnas (en el Museo de Bellas Artes, Sevilla).

 

Tomado de www.artehistoria.jcyl.es/arte/obras/10631.html

 

Como sermones pintados presentan acciones de caridad a imitar. Y dispuso de una técnica genial para elaborar sus creaciones, sea una Virgen con cara de gitana o galopines que parecían ángeles. Ningún otro pintor español supo captar tan vivamente movimientos o la mímica de personas como Murillo. Era un “maestro de la sonrisa“ – su retrato de un Niño Sonriendo y la pintura de un Joven burlándose de una mendiga, son caras virtuosamente dibujadas. En ambos cuadros pintados hacia 1660 Murillo emplea el recurso de integrar el observador, porque sus niños sonríen directamente al público, en el primer caso el joven incluso apunta con el dedo al espectador, como si se burlara traviesamente.

 

Quizás hay algo que los pintores sevillanos Murillo y Velázquez tienen en común: con respecto al virtuosismo técnico, las obras del último período de sus vidas serán más impresionantes (Velázquez: Las Meñinas; Murillo: Tomás de Villanueva repartiendo limosna o Inmaculadas rodeadas de nieblas luminosas). Pero mirando a la importancia de sus mensajes independientes de la moda de su época, se puede llegar a la conclusión que muchas de sus obras juveniles merecen mayor atención y hay que apreciarlas aún más (Velázquez: El Aguador; Murillo :El Joven Mendigo y otras pinturas de galopines). 

En la Europa de los Siglos XVIII y XIX, Murillo fue el pintor español más famoso, sus obras obtuvieron los precios más altos en el mercado del arte. Sin embargo, a finales del Siglo XIX cayó en la desgracia y fue reemplazado por Velázquez en el trono de la pintura española por la opinión de los historiadores del arte. Una de las razones hay que buscarla en una avalancha de copias malas, a veces malísimas y estereotipadas de cuadros de Murillo, las que invadieron el mercado del arte desde mediados del Siglo XIX y contribuyeron considerablemente a la pérdida de su prestigio como pintor.

 

 

Autorretrato

Tomado de encontrarte.aporrea.org/efemerides/e1260.html

 

¿Por qué desde entonces no ha sido rehabilitado como pintor destacado del Siglo de Oro y representante genial del Barroco español? Es que con el concepto del genio se suele asociar una inclinación a la locura, una biografía aventurera o al menos un comportamiento extravagante. Nada de eso se puede decir de Murillo, el que siempre fue descrito como amable y sin caprichos de divo por sus contemporáneos, aunque fue el pintor más famoso de España en el Siglo XVII. Murillo no mató a nadie a causa de un duelo (como lo hicieron p.ej. Martínez Montañés, Cellini o Caravaggio), tampoco fue acusado por la Inquisición (como Alonso Cano) ni siquiera tuvo accesos de rabia, persiguiendo a alumnos por la Catedral sevillana (como lo hizo Valdés Leal). Pero no por ello su arte magnífico vale menos. Ya es tiempo para un redescubrimiento a lo grande – y mejor en Sevilla.

 

Bertold Vorberg

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POR FIN HE LOGRADO PUBLICAR MI PRIMER LIBRO EN INTERNET. LOS ANIMALES IMAGINARIOS

 

Tras la primera experiencia (no demasiado buena) de publicación con una editorial clásica (El Señor del Biombo), me he decido probar con el mundo del las editoriales digitales y he publicado un libro que hice ya algunos años: EL DIARIO DE LOS ANIMALES IMAGINARIOS.

Se trata de una novela infantil que realmente no lo es, pues (creo) que es una obra que admite numerosas lecturas, desde la de un niño a la de un adulto, pues loa ANIMALES IMAGINARIOS son, simplemente, distintas maneras de ver el mundo e interpretarlo. Una mirada tierna, a veces surrealista aunque quizás sólo demasiado realista que sabe mirar más allá de las convenciones habituales.

Para dar más posibilidades he puesto el libro tanto en formato pdf (para descargar directamente al ordenador o eboock) o en libro físico que se manda por correo.

Se encuentra en esta página

http://www.bubok.com/libros/170825/Diario-de-los-animales-imaginarios

 Por cierto, el dibujo está realizado por una de las primeras lecturas que tuvo el cuenco, nuestra colaboradora Aurora

Vicente Camarasa

 

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08/03/2010 16:05. sdelbiombo #. Nuestros libros Hay 8 comentarios.

UN ANÁLISIS DE LA VIRGEN DEL CANCILLER ROLIN DE VAN EYCK

Este año estoy realmente de suerte y mis alumnos de 2º ESO me están dando continuas alegrías.

Como una forma de premiarlos (y premiarme, pues me siento muy orgulloso de ellos) ya comencé hace algunos días a colgar alguno de sus análisis de obras de arte (como el Pantócrator de Tahull)

Ahora le toca el turno a David Avetisyán que en su propia página web ha colgado el análisis dela Virgen del Canciller Rolin

 

Tomado de

http://es.wikipedia.org/wiki/Virgen_del_Canciller_Rolin

Dentro de muy poco aparecerá otra obra también de Van Eyck, (el Matrimonio Arnolfini)

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ANÁLISIS DEL MATRIMONIO ARNOLFINI. VAN EYCK

  

http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Jan_van_Eyck

 

Tema: En esta imagen podemos ver a la derecha a una mujer que parece estar embarazada y a la izquierda, un hombre que la toma de la mano. Los objetos que aparecen en el cuadro, como la lámpara o el espejo, nos quieren dar a entender que son altos burgueses (ya que esas cosas no las podía tener todas las personas), y al estar cogidos de la mano es como si se estuvieran tomando en matrimonio porque ella esta embarazada o bien nos quiere decir que el matrimonio significa crear descendencia.

Técnica: La imagen esta hecha con pintura al óleo (mezclada con aceite) y esta directamente aplicado a la tabla.

Composición: La composición es simétrica y un poco geométrica (forman dos óvalos), ya que si dividimos la imagen en dos partes podemos apreciar las mismas proporciones.

Línea: Es muy fina, ya que no se aprecia, y muy detallista.

Color: La mayor parte de los colores del cuadro, son calidos, aunque el verde del vestido de la mujer, al ser un color frío, resalta mucho.

Luz: La luz es muy naturalista, en la imagen encontramos claroscuro que le aporta al cuadro volumen a las figuras.

Espacio: El espacio va presentar una perspectiva que es un poco alzada.

Figuras: Las figuras ya no están amenazando, si no que expresa sentimientos, tienen movimiento, ya que se relacionan entre ellas, presentan expresión y un canon esbelto.

En el gótico ya no tienen pies danzantes, no siguen una ley del marco y sí presentan un volumen que va a dar lugar a la perspectiva.

Comentario: En el gótico, al tener otro modo de pensar, se interpretan los personajes de otra manera, comunicándose entre ellos, expresando sentimientos… ya que en el gótico no se quería convencer a la gente mediante amenazas, si no expresando otros sentimientos en los que cada personaje no juzgaba, si no que ejercía su propio papel, el de nueva burguesía.

 

Para saber más (sobre todo del simbolismo) hay otro artículo en este mismo blog

http://sdelbiombo.blogia.com/2008/090701-el-misterio-del-matrimonio-arnolfini.-van-eyck.php

 

Eva Pastor (2º ESO B, SIES LA POVEDA en CAMPO REAL)

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UN PANTÓCRATOR MIX VALDILECHA-TOLEDO

 

 

 

David Avestiyán, un alumno de 2º ESO que ya ha publicado en este blog, he realizado esta curiosa composición de dos pantócrator románicos.

 

La parte inferior  ya lo analizamos en un artículo sobre Valdilecha (Madrid).

 

 

La superior corresponde a la iglesia del Cristo de la Luz de Toledo.

 

Tomado de : www.independentrip.com/...

 

Ambos pertenecen a ábsides mudéjares que muy pronto analizaremos

 

 Vicente Camarasa

 

 

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14/03/2010 13:16. sdelbiombo #. ROMÁNICO Hay 1 comentario.

EL APOCALIPSIS SEGÚN DURERO

Durero vivió a caballo entre el Alto Renacimiento y su crisis. Una crisis que para él, alemán de origen y vocación, tuvo unos claros indicios en el luteranismo y todas sus consecuencias (la famosa batalla de Mulberg, la revuelta de los campesinos de Muntzer…)

No nos debemos extrañar, por tanto, que la visión del abismo sea uno de los temas de su obra. ¿Y qué mejor forma da hablar de toda la crisis espiritual que invadió Europa que el propio Apocalipsis, como este excepcional grabado

 

Tomado de http://personal.telefonica.terra.es/web/auladefilosofia/arte/durero.htm

 

Sin embargo, quizás menos elocuente en una primera mirada pero de una potencia visual extraordinaria, yo me quedo con su famosa Visión de un Sueño.

 

Visión de sueño, 1625

Tomado de http://1.bp.blogspot.com/_t_FdxsfrbJE/SfSKmjUgYNI/AAAAAAAAFGM/gx69LQEZ-4g/s1600-h/vision+sue%C3%B1o+1525.+Watercolour+on+paper.+30+x+43+cm.+Kunsthistorisches+Museum,+Vienna..jpg

 

Las palabras que lleva escrita la imagen son las siguientes:

 

En 1525, durante la noche entre el miércoles y el jueves después de la semana de Pentecostés, tuve esta visión mientras dormía, y vi cómo unas muy grandes aguas caían desde los cielos. La primera golpeó el suelo a unas 4 millas de mí con una fuerza tan terrible y un ruido tan enorme, que inundó toda la campiña. (…) Y el aguacero siguiente fue enorme. Algunas de las aguas cayeron a alguna distancia, y otras más cerca. Y venían desde una altura tal, que parecían caer muy lentamente. Pero la primera tromba de agua que golpeó el suelo lo hizo tan repentinamente, y había caído a tal velocidad, y estaba acompañada por viento y por un rugido tan aterrador, que cuando me desperté todo mi cuerpo temblaba, y no pude recuperarme durante un tiempo. Cuando me levanté por la mañana, pinté lo que se ve arriba tal y como lo había visto. Ojalá cambie el Señor todas las cosas para mejor

Tomado de http://arssecreta.com/?p=184

 

Vicente Camarasa

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16/03/2010 09:02. sdelbiombo #. Los otros renacimientos No hay comentarios. Comentar.

SINGER SARGENT. UN REALISTA CON MUCHO PASADO…VELAZQUEÑO

 Nacido en Florencia, aunque de padres estadounidenses, pasó gran parte de su vida en Europa.

Su vida activa se correspondió con las grandes revoluciones pictóricas de impresionistas, postimpresionistas, fauvistas, cubistas, expresionistas o de las primeras abstracciones.

Sin embargo el pintor se sintió completamente ajeno a ellas y practicó un estilo realista (aunque sin ningún componente crítico) siendo el retrato su actividad favorita.

Con estas características podemos entender cuáles serán sus principales clientes, miembros de la burguesía acomodada que buscaban una representatividad sin ningún tipo de investigación (o problemas) visuales, curiosamente algo parecido a lo que sucediera en la segunda mitad del Quattrocento italiano en donde la burguesía enriquecida renegó un tanto de los grandes maestros investigadores (Ucello, Castagno, Piero Della Francesca) y buscó un estilo menos novedoso pero más dulce (Guirlandaio, Lippi. Perusino…)

Su técnica, sin embargo, está fuera de dudas. Su capacidad para las texturas, la penetración psicológica o el espacio es fantástica y entronca con los grandes clásicos.

Pues la obra de Sangert es un paseo por el gran barroco.

Fijaros así la postura elegante, la suavidad de la luz, la pincelada deshecha que vuelve vaporoso el fondo tomada de Van Dyck

 

Mrs Hugo Hammersley

 

O de un lejano discípulo de Van Dyck, Gainsborough, el gran retratista del XVIII ingles

Pauline Astor

 

Recogió ideas de sus contemporáneos más cercanos, desde Delacroix y sus odaliscas

Almina Daughter

 

A Courbet  (aunque quitándole toda su carga polémica)

En los olivos

 

 

E incluso Manet

El Jaleo

 

Stevenson (inspirado en el Malarmé de Manet)

 

Haciendo incluso incursiones en los modos simbolistas

Ellen Ferry at Lady Macbeth

 

Isabella Stewart Gardner

 

O lejanamente impresionistas

Paul Helleu Sketching

 

Sin embargo su influencia más duradera (y que mejores obras le hizo producir) es la velazqueña.

 

Robert Louis Stevenson and His Wife (Fijaros en el espacio con su puerta, tan velazqueño, como la alfombra, una réplica de la de Túnica de José, la pincelada suelta)

 

Ahora tenemos la oportunidad de ver esta influencia en el propio Prado gracias a su obra Las hijas de Edward Darley Boit, inspirada en unas Meninas que copió durante un tiempo en el propio museo (y ante la que se confrontará durante unos días) .

 

De ellas saldrán muchas posiciones (mirad los pies en compás), la gran percepción del espacio matizado por el claroscuro, los biombos visuales que recortan la escena llena de aire (en los que se encuentra sin decirlo la idea del espacio doble de las Hilanderas), con una solo aparente idea de cotidianeidad (en los gestos) que se desmiente por el enorme trabajo de composición.

 

Lo que no es velazqueño es el maravilloso tono azul que sirve para armonizar toda la escena o sus maravillosos blancos que rompen la entonación general para actuar como manchas, pozos de luz, que nos hacen recorrer la escena (al modo de los rojos en las Meninas) de forma curva.

La composición también resulta más audaz de lo habitual, jugando con la tensión de llenos y vacíos que hace del espacio una hija más del cuadro (con los dos grandes jarrones equilibrando lo que se nos marcha irresistiblemente hacia la izquierda para anclar el aire y hacerlo presente)

 

Todas la imágenes tomadas de

http://commons.wikimedia.org/wiki/John_Singer_Sargent

 

Vicente Camarasa

 

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17/03/2010 21:18. sdelbiombo #. ARTE SIGLO XIX No hay comentarios. Comentar.

LA SINAGOGA DEL TRÁNSITO EN TOLEDO.

 

Por esas extrañas (o quizás no tanto) casualidades, debemos a un rey castellano dos de las joyas islámicas que aún poseemos: los reales alcázares de Sevilla y esta sinagoga del Tránsito. El rey era Pedro I, conocido por el cruel, pues perdió su guerra civil contra su hermanastro, Enrique de Trastamara y, como a todos los perdedores, la historia se le volvió a partir de entonces en contra suya.

 

 

Esta sinagoga del Tránsito en concreto fue construida como oratorio particular del palacio de su tesorero, el judío Samuel ha Levi, entre 1356 y 1357, y cuando entramos en ella, en su magnífica sala de oraciones, más que el mundo judío, nos encontramos con el aire inconfundible de la Alhambra.

 

 

Lo vemos en su decoración de yesería que se extiende el la pared del fondo. Arrancando de las arquería que protegen el rollo de la Torá, allí veremos unos exquisitos atauriques y escudos en la malla que crea el paño de sebka.

 

 Nos lo encontramos también en la increíble techumbre de limas mohamares y dobles tirantes

 

 

 

 En las yeserías de la sala de mujeres (la tribuna superior) y sus entramados de lacerías.

 

 O en las propias celosías de la pared de entrada y sus estrellas radiantes que originan el entrecruzamiento.

 

 Al igual que ocurría en Sevilla, y pese a ser una sinagoga, vemos en toda la obra la mano de alarifes musulmanes, muy probablemente de origen granadino, aquellos mismos que estos mismos momentos estaban realizando las partes más significativas de los llamados palacio nazaríes de la Alhambra

 

         TODAS LAS JUDERÍAS ANALIZADAS EN NUESTROS BLOGS

Texto e imágenes

Vicente Camarasa 

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18/03/2010 19:38. sdelbiombo #. Mudéjar Hay 3 comentarios.

TRES FOTOGRAFÍAS DEL TOLEDO GÓTICO

Puerta del reloj.

San Juan de Reyes

Refectorio de San Juan de Reyes

Imágenes tomadas y realizadas por:

 Marta Ibáñez (2º ESO B), Miguel Morales (2º ESO B), Nerea Paredes (2º ESO D) y Rocío Robles (2º ESO D). SIES LA POVEDA EN CAMPO REAL

 

 

 

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20/03/2010 20:38. sdelbiombo #. GÓTICO No hay comentarios. Comentar.

LA CULTURA NEOSUMERIA. UR-NAMMU Y GUDEA DE LAGASH

 

 Tras la caída de los belicosos acadios y la ruptura de su imperio, florecen en la tierra mesopotámica una serie de pequeños reinos, especialmente la III Dinastía de Ur y la II de Lagash. A menudo se ha llamado a esta época El renacimiento neosumerio (2200-1950 a.C.).

Se trata de monarquías religiosas organizadas por un Ensi o Patesi que controlará una amplia y compleja burocracia y tendrá en la piedad religiosa uno de sus pilares ideológicos.

En la III dinastía de Urik destacará el rey Ur-Nammu, posiblemente el primer constructor de zigurats y creador de uno de los primeros códigos de leyes. En la imagen podemos verlo en la conmemoración se sus construcciones, relacionado con la divinidad que está representada por la media luna (Inanna) y la estrella

 

Estela de Ur-Nammu

Tomado de arteinternacional.blogspot.com/2009/05/escult...

 

Más conocido en el terreno artístico son las conocidas figuras de Gudea de Lagash, tanto sedentes como en pie. Siguiendo la tradición sumeria de los orantes mesopotámicos, el rey se nos presenta con los planos del templo y largas escrituras cuneiformes que nos dan interesantes datos sobre la cultura de la época

 

 

Gudea, ensi de Lagash, el hombre de la ciudad que construyó el templo de Ningishzida y el templo de Geshtinanna".

La segunda inscripción dice: "Gudea, ensi de la ciudad de Lagash, edificó a Geshtinanna, el a-azi-mu-a de la reina , la esposa querida de Ningishzida, su reina, su templo en Girsu. Él creó para su estatua [ esto ]. "ella concedió el rezo," Él le dio un nombre para ella y lo trajo en su templo

 

Evidentemente la escultura tiene una doble función conmemorativa (la de recordar al rey como arquitecto, como será una consta en el mundo antiguo, y la de ser esposo de la divinidad, pues una de las hipótesis de los ritos celebrados en los zigurat es que estos sirvan como lugar para las bodas sagradas entre el rey y las divinidades femeninas. Inanna en especial, siendo así una fuente de legitimación del poder algo menos coercitiva que la egipcia, en donde el faraón ya es dios en sí mismo)


Pero existe una tercera lectura de estas figuras. Cuando la inscripción dice "ella concedió el rezo", quizás se esté refiriendo a que la propia figura, investida de poderes mágicos tras los oportunos rituales, sirve como una oración permanente ante la divinidad. (Se trata, por tanto, en un exvoto activo, que no sólo da las gracias por los dones concedidos sino que dirige sus oraciones)


Este carácter mágico de los objetos y esculturas también podemos encontrarlo en los oushetbi egipcios o las figuras defensoras de los templos (apotropaicas) de múltiples culturas

 


Para saber más

arteinternacional.blogspot.com/2009/05/escult  

http://aprendersociales.blogspot.com/2008/07/gudea-ensi-de-lagash.html

 

Vicente Camarasa

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21/03/2010 17:12. sdelbiombo #. Arte mesopotámico No hay comentarios. Comentar.

HEMOS CAMBIADO DE CONTADOR

Cada día funcionaba peor y hemos decidido finalmente cambiar a un nuevo contador (lo podéis encontrar en la barra de la derecha, al final de los enlaces, que nos ayudarará a seguir mejor los enlaces y entradas de nuestro blog.

Evidentemente el contador comienza desde 0, justo ahora que ya llegábamos a las 320.000 (23 marzo 2010), que iremos sumando para ir viendo nuestros progresos

23/03/2010 17:06. sdelbiombo #. PREMIOS Hay 1 comentario.

FOUQUET Y EL ASOMBROSO DÍPTICO DE MELUN

 

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Fouquet

 

Siempre e llamó la atención este cuadro en el libro de COU. Después del gran renacimiento italiano, entre éste y el Bosco, aparecía en un rincón, fuera de temario oficial de selectividad.

Su autor Fouquet fue un extraño pintor en una extraña corte (la francesa de Carlos VIII) en la que se instituyó el título oficial de maitresse en titre (querida oficial) que ocupó la mujer del cuadro, Agnès Sorel.

El pintor la representó con una iconografía conocida, la Virgen de la leche o Galactotrofusa, muy habitual del gótico en el que la Virgen se convertía en madre de la Humanidad.

Sin embargo, más que madre la pintó como amante y ese pecho era más para el rey que para el Niño Jesús.

 

Tomado de http://lineaserpentinata.blogspot.com/2010/02/jean-fouquet-virgen-rodeada-de-angeles.html

 

No terminó ahí la cosa, y junto a esa virgen pintó un racimo de ángeles bicolores azules y rojos que se salía de las maneras habituales y generaba un ambiente onírico.

Y es que Bouquet fue un pintor poco convencional que unos caracterizan como autor del gótico internacional (el talle tan fino, la idea del amor cortés, las maneras curvilíneas…) mientras otros lo emparentan con el arte de un contemporáneo suyo, Van Eyck (el uso del óleo, las texturas, el trabajo en claroscuro…).

 

 

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Fouquet

 

Aún más, si vemos la otra tabla (mucho menos representada) del díptico, en ella encontraremos desde maneras de los primitivos flamencos como recuerdos del Quattrocento italiano (en su perspectiva, nitidez de contornos que recuerda a Castagno, los candelieri, las maneras sintéticas en los vestidos…).

Un verdadero puzzle de influencias e interpretaciones que tuvo su eco en el siglo siguiente, en la llamada segunda Escuela de Fontainebleau que pronto analizaremos

 

Para saber más

http://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Fouquet

http://lineaserpentinata.blogspot.com/2010/02/jean-fouquet-virgen-rodeada-de-angeles.html

 

Vicente Camarasa

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25/03/2010 19:35. sdelbiombo #. GÓTICO No hay comentarios. Comentar.

ESPERANDO A LA MADRUGÁ DE 2010

 

Falta apenas una semana para que llegue la noche más hermosa del año, la verdadera noche de los prodigios si el tiempo nos lo permite  y la corriente del Chorro sube de una puñetera vez a su lugar normal para que siga lloviendo mansamente sobre los prados y vacas inglesas y luzca el sol radiante de Sevilla y la luna de Parasceve brille como sólo ella sabe hacer.

Para hacer boca he puesto esta foto de la Estrella sobre el puente de Triana y publicamos un artículo conjunto en Palios (estracto de un libro en alemán sobre Sevilla y su Semana Santa que su propio autor, Berthold Volberg,  ha traducido para esta ocasión) con muchas más fotos

 

Vicente Camarasa

 

 

 


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25/03/2010 19:39. sdelbiombo #. Semana Santa No hay comentarios. Comentar.


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